BLOG - ALBUM DE PSYKOKWAK

Ce film réalisé par Johnny Depp et adapté du roman de Gregory McDonald fut projeté à Cannes en 1997. Sa carrière s’arrêta quasiment là. Johnny Depp désabusé par les critiques négatives, notamment américaines, renonça à le diffuser aux Etats Unis. Le film est disponible en cassette vidéo et en DVD.

Le scénario reprend les grandes lignes du livre de McDonald. Même lieu, Morgantown, un bidonville et personnages similaires. Mais Johnny Depp a amorti l’effet saisissant de l’histoire. Dèjà l’orthographe du prénom est modifié. Rafael devient Raphaël. Très vite nous découvrons Raphaël beau gosse (Johnny Depp himself) sortir de son bidonville et se rendre en ville.

Il est plutôt sobre. Il entre dans un bureau installé dans un dépôt lugubre. Puis on l’emmène rencontrer Mc Carthy, un Marlon Brandon assis dans une chaise roulante qui à mots couverts déblatère sur le plus beau cadeau qu’un homme puisse offrir : sa mort. À la différence du roman le dialogue reste soft, rien sur la séance de mise à mort accompagnée de tortures, au point de se demander s’il s’agit bien de la  même histoire. Mac Carthy lui propose 50 000$ (on est loin des 30 000 $ arrachés dans le bouquin) et Raphaël repart avec un tiers de la somme ! Dans le manuscrit il n’avait droit qu’à une aumône de 300$ dont on supputait que ce serait son unique rétribution.

Il s’en retourne et avec les dollars il achète de quoi construire un mini Luna park dans le bidonville ! Quand on se souvient que dans le roman il n’avait acquis qu’une grosse dinde surgelée, deux robes pour Rita et des cadeaux dérisoires et décalés pour ses lardons. On aperçoit le prêtre à qui Raphaël demande de veiller à récupérer l’argent, ce sera l’unique fois où Raphaël évoquera sa mise à mort. Et cerise sur le gâteau, Raphaël assassinera son frère qui auparavant avait violenté sa famille. Dans le livre, son frère l’avait dénoncé à tort pour un vol, afin de glaner une misérable récompense. À la limite qu’il y ait des différences avec le texte pourquoi pas, sauf qu’ici tout cela concourre à dénaturer l’ambiance, le climat tendu du livre.

L’idée du snuff movie a disparu et toute l’incroyable intensité du roman semble arasée. On s’ennuie à suivre ses déambulations un peu vaines. La noirceur du livre est gommée par un scénario émoussé.
Johnny Depp a-t-il eu peur de la violence du sujet au point de l’édulcorer à ce point ?
Pourtant il s’était entouré du chef opérateur de Emir Kusturica et d’Iggy Pop à la musique. Tout cela fait flop. Dommage car Johnny Depp en choisissant d’adapter le récit de McDonald connaissait la dramaturgie qui tend cette histoire. Du coup je ne comprends pas pourquoi il s’est écarté de la violence du bouquin.  Reste la belle gueule de Johnny Depp et de son jeu d’acteur.

The Brave, film américain réalisé par Johnny Depp, 1997.

Terrible roman !  Tout au long de sa lecture j’avais l’estomac noué et j’en ai cauchemardé.  Il n’y a pas que le 3eme chapitre qui serre les tripes. L’auteur, dans un avertissement, avertit que ce (3eme) chapitre est particulièrement intense et éprouvant, pour tout ce qu’il exprime de la cruauté humaine, … qu’il est souhaitable, mais pas forcément nécessaire, d’inclure ce 3eme chapitre dans la lecture de cet ouvrage.
Donc les derniers jours de Rafael, de la pauvre vie d’un amérindien illettré, exclu de la société américaine. Agé de moins de trente ans il habite avec sa petite famille dans une caravane déglinguée à Morgantown, contre une décharge. Son existence se résume à une longue et ininterrompue ivrognerie. Son faible pécule provenant de la revente d’objets récupérés sur le dépotoir lui permet de s’enivrer. Il ne connait rien d’autre. Né dans cette décharge, c’est ici comme le reste de sa communauté qu’il y crèvera. Son avenir se circonscrit au tas d’ordures vomit par la société américaine qui les ignore.
Le tenancier qui lui sert sa boisson quotidienne lui refile un tuyau. Un boulot super bien payé. Acteur dans un snuff movie. Le bistrotier rabatteur lui explique le genre de boulot, puis Rafael rencontre le margoulin qui lui propose 25 000 $ pour accepter d’être acteur et mourir en une heure. Une heure de torture. Qu’est-ce une heure pour Rafael qui crève à petit feu,  ou pour son père atteint d’un cancer et qui ne peut accéder à des soins faute d’argent. Une heure de souffrance et 30 000 $ qu’il réussit à négocier permettront, imagine-t-il,  à sa femme et ses trois jeunes enfants de sortir du tas d’immondices qui leur sert de paysage.
Dans ce fameux 3eme chapitre Gregory McDonald décrit par le menu le scénario abominable de son assassinat. En toute connaissance de cause Rafael accepte et signe un pseudo contrat. Il réclame simplement un délai de trois jours pour s’organiser, dire au revoir aux siens.

La force extraordinaire de ce roman court tient dans cette haletante tension qui agrippe de plus en plus le lecteur. Passée la description effrayante de la mise à mort, la suite du récit moins terrifiant exhale une violence souterraine permanente. Tout ce que Rafael va vivre au cours de ces trois dernières journées sera sous le signe de son effroyable destinée qu’il nomme son premier jour de travail. Cruelle ironie !
Rafael parvient à soutirer une misérable avance de 300 $ avec lesquels il va pouvoir offrir pour la première fois des cadeaux à sa femme et à ses trois enfants et de quoi se régaler. Des présents symboliques et ouverts sur un avenir qu’il leur souhaite meilleur. Le benjamin âgé d’un an recevra un  gant de base-ball, la cadette une trousse de docteur et l’aînée un piano électrique. Ces emplettes donnent lieu à de nouvelles vexations. Son avant dernière nuit il la passera au ballon à la suite d’une dénonciation. La police finira par le relâcher sans un mot d’excuse ni un minimum de considération.

La dignité de Rafael, sa qualité humaine, son humanité émerge de cette infâme condition existentielle. L’amour, la tendresse qu’il porte à sa femme, à ses enfants, au-delà du sacrifice à venir lui donne une dimension humaine. Malgré notre réserve au geste extrême qu’il s’apprête à accomplir, notre sympathie -au sens étymologique-  va grandissante. On assiste à une rédemption moderne que l’auteur suggère assimilable à celle du Christ.

Site de l’auteur ici.
Les avis de Matoo et InColdBlog.

Rafael, derniers jours (The Brave). Roman américain de Gregory McDonald (1991). Traduit en français par Jean-François Merle, Éditions 10/18 (1996), 191 pages.

La politique du cœur, ce documentaire reprend la lutte victorieuse d’altersexuels québécois pour la reconnaissance du mariage entre personnes de même sexe et la plénitude des droits pour les enfants de familles homoparentales.
Après un historique qui démarre au début des années 90 en rappelant les violences policières (répression de manifestations d’altersexuels), l’épidémie du SIDA et des crimes homophobes, le film se focalise sur le parcours du premier couple d’homme à  réclamer le droit au mariage. Michaël et René, deux militants d’Act-Up ont mené avec constance un combat pour que leur union soit validée légalement. Suite à un premier échec, leur mariage fut enfin légalisé en 2004.

Parallèlement nous suivons l’exemplaire épopée de l’Association des mères lesbiennes pour que leur progéniture obtienne les mêmes droits que les autres enfants.
Des interviews de mères, de sociologues, de militants illustrent ce remarquable cheminement jusqu’à la réussite finale.
Le ministre de la justice du Québec, Mr Bégin, présenta un projet de loi qui à l’époque rencontrait une forte hostilité des parlementaires. Pour arrondir les angles il mit en place une commission parlementaire pour écouter les avis des différents intervenants et préparer un nouveau projet de loi. Très astucieusement des mères proposèrent à leurs enfants de venir parler devant cette commission. Les témoignages de trois grands adolescents, tout en finesse et en sincérité firent basculer l’ensemble des députés qui accordèrent les mêmes droits aux enfants issus de couples homoparentaux.
Paul Bégin raconte avec émotion : Et quand ils ont fini (leurs témoignages), et je savais qu’ils le terminaient, la première chose qui arrive c’est que le Président dit, “Monsieur le Ministre, avez-vous des questions?” Et là, (pendant) les trente dernières secondes, […] je me dis ‘‘Mais, qu’est-ce que je vais dire?”. Est-ce que je vais être capable de parler? Tout simplement, physiquement. Et là, je regarde autour…des larmes dans les yeux des députés. Tout le monde a de la misère. Et je me rends compte que tout le monde est complètement renversé. Moment inoubliable, d’une beauté inqualifiable. Trois jeunes – beaux, intelligents – qui sont venus nous dire ça. Même les plus durs ont été marqués. Même ceux qui étaient contres.

Cette ode à un combat juste et victorieux nous réconforte. Même si la décision fut arrachée dans un mouvement émotionnel, on ne peut que se réjouir d’un tel aboutissement. Le titre de ce documentaire porte bien son titre et l’accent mis sur le cœur plus que sur la raison en fin de compte importe peu.

Avec raison Irène Demczuk note que dans une grande majorité de sociétés reconnaître une filiation à un couple, c’est (donner) la possibilité que ce couple se perpétue et fasse partie de l’histoire humaine. Quand on refuse (la filiation), on refuse aux homosexuels de faire partie de l’histoire humaine.  Ce qui est particulier, c’est qu’au Québec, on a obtenu (ce droit) avant le mariage.

La politique du cœur (Politics of the Heart), documentaire canadien de Nancy Nicol, 2005. Présenté au 7eme festival Vues d’en Face à Grenoble.

Jamie (Michelle Ehlen) se désespère de ne pas décrocher de rôle d’actrice. Il lui est reproché de ne pas être assez femme. Normal, le physique de Jamie rappelle furieusement celui de Marijo (Josiane Balasko) dans Gazon maudit.
Jamie partage un appartement avec Lola (Olivia Nix) dont le chat Howard collectionne les rôles dans des films ! Un jour Lola la sollicite pour emmener Howard à un casting. Las le matou n’en fait qu’à sa tête obligeant Jamie à des singeries pour tenter de le convaincre de s’approcher d’une gamelle remplie de croquettes. Son numéro n’est pas passé inaperçu car un réalisateur lui propose un rôle… d’homme dans son prochain film. Malgré ses convictions et un projet foireux Jamie accepte. Sur le tournage elle se fait draguer par Jim (Tiffany Anne Carrin), l’accessoiriste, persuadée d’être face à un homme !

Voilà le quiproquo lancé… qui rebondit lorsque l’on apprend que Jim, une ex lesbienne suit une thérapie de déconditionnement pour devenir hétérosexuelle !

Ayant décidé de chroniquer tous les films que j’ai vu au festival je reconnais n’avoir pas rit à cette comédie. Les scènes avec le chat au début du film ont eu le don de m’exaspérer, eh oui les pitreries animalières et les singeries humaines me laissent froid. Par la suite j’ai pensé que nous allions assister à une parodie de Toostie mais rapidement tout sonne faux. Á tel point que c’est incompréhensible que Jim puisse se tromper sur Jamie. Les gros plans sur son visage ne laissent aucun doute sur la postiche de barbe qu’elle arbore. Á moins d’imaginer que la volonté de se convertir à l’hétérosexualité la rende aveugle. Quant à changer de choix d’objet sexuel, il est peut être plus facile pour Jim d’opter pour une butch travestie en homme. La tromperie devient révélatrice de l’impossible changement d’orientation sexuelle.

N’ayant à aucun moment accroché, le film me paraissait ennuyeux et mal ficelé. Je pense à une phrase de F. Mitterrand « j’aime bien les films où l’on s’ennuie, j’ai le temps de mieux observer la mise en scène »*. Eh bien malheureusement ce n’est pas à l’avantage de ce film, car la mise en scène demeure statique et peu imaginative.

*Frédéric Mitterrand, Le Festival de Cannes p 66, Robert Laffont (2007).
Le blog du film ici.

Butch Jamie, film américain de Michelle Ehlen, 2007. Présenté au 7eme festival Vues d'en Face à Grenoble.

Lonely Child, un moyen métrage estampillé Dogma # 41, s’intéresse à Médéric, un jeune choupinou québécois qui profite de son 17eme anniversaire pour présenter son chum à sa famille. Seule sa mère s’est déplacée chez la frangine. Bien qu’elle soit au courant de la pédésexualité de son rejeton, elle s’emporte violemment lorsque Médéric embrasse son copain. Toute la haine et l’homophobie maternelle éclate en un psychodrame bien musclé. Voici la scène, la meilleure du film.

Diego un charmant mariconcito habite à East Side le quartier hispanique de Los Angeles. Quartier qui se vide de sa population d’origine mexicaine chassée par la hausse du prix de l’immobilier et remplacée par des bobos gais friqués. L’arrivée de la communauté gaie modifie la vie du quartier et suscite des réactions homophobes. Diego, in the closet, travaille dans le restaurant familial régenté par sa grand mère depuis le décès accidentel de ses parents. Il aspire à une vie professionnelle plus gratifiante, il n’est pas diplômé d’une académie culinaire pour continuer à cuisiner et servir toute sa vie des empanadillas et autres tortillas. Il imagine ouvrir son propre restaurant gastronomique. Il s’échappe de temps en temps de sa gargote pour s’envoyer en l’air avec Pablo, un agent immobilier, qu’il émoustille à l’aide de croustillants scénarios fantasmatiques. Mais bientôt trentenaire Diego en a assez de ces frustrantes amours clandestines et il souhaiterait vivre pleinement sa gaytitude. Mais voilà, Pablo se complait dans des sauteries furtives et il refuse de suivre Diego et sortir du placard. Au fond Pablo, en bon latino macho rêve à une vie familiale avec une femme et des lardons

David Berón, René Alvarado & Steve Callahan.

Dans la maison en face du restaurant, Wesley et Jonathan, un couple gay, emménagent et en guise de bienvenue Diego leur apporte un plat cuisin. Rapidement Diego tombe sous le charme de Wesley au grand dam de Jonathan. Les ingrédients d’un scénario assez paresseux se trouvent rassemblés pour une comédie à peine relevée d’un zeste de cohabitation ethnique conflictuelle.

Le réalisateur Carlos Portugal ajoute quelques personnages susceptibles de pimenter l’histoire. On a droit à une Bimbo déjantée qui drague Pablo avec les quiproquo inévitables. On peut reconnaître aux personnages des particularités qui dépassent les clichés. Wesley s’intéresse à la culture chicano, il hésite avant d’accepter les élans amoureux du beau Diego. L’homophobie et le racisme traversent la rue dans les deux sens. Toutefois cela reste bien gentillet et sans surprise.

Bien que l’action se situe dans le même quartier, nous sommes loin du Quinceañera réalisé par Richard Glatzer et  Wash Westmoreland.  East Side Story qui n’a rien à voir avec West Side Story, ne décolle pas vraiment. Comme si le réalisateur avait concocté un film ficelé pour un public gay conquis d’avance et ne pas effaroucher le spectateur lambda. Une petite comédie et que l’on regarde pour les deux beaux acteurs René Alvarado et David Berón.

East Side Story, film américain de Carlos Portugal, (2006). Film projeté au 7eme festival Vues d’en Face à Grenoble.

Julia, magnifique Tilda Swinton, s’abime et s’oublie dans des cuites pour se réveiller défaite auprès de d’inconnus qu’elle rejette aussitôt. Sa vie actuelle se résume à une succession de beuveries vespérales. Elle n’attend que l’ouverture des bars pour s’abandonner dans des chimères sans lendemain. Elle croise un brave samaritain qui l’accompagne aux Alcooliques Anonymes où elle rencontre une jeune mère délirante qui la convainc de kidnapper Tom, son garçon de 9 ans confié à la garde du grand père paternel. Julia appâtée par quelques milliers de dollars fonce tête baissée dans ce projet insensé. Après quelques rasades revigorantes, Julia rapte le gamin et elle s’engage dans une folle divagation. Tom terrorisé, maltraité n’est qu’un objet monnayable qu’elle ligote contre un radiateur ou garde enfermé dans le coffre de sa voiture. Bien que passablement perdue, elle conserve un peu de jugeote ce qui lui permet d’avancer au grée de rocambolesques péripéties. Le franchissement accidentel de la frontière mexicaine  relance le scénario. Julia devient plus humaine, elle renaît à la vie alors qu’autour d’elle les liens sociaux volent en éclat. Dans un déchaînement terrifiant de violence Julia reprend la barre de sa vie. Elle se redresse, et contre toute attente devient raisonnable dans un monde déboussolé. Elle redevient une femme habitée d’une tendresse maternelle.

Erick Zonca nous trimballe, après les frères Coen, dans cette région sauvage et violente de la Californie à cheval sur la frontière mexicaine. Sans se soucier d’un politiquement correct il montre Julia maltraiter le gamin à la limite du supportable. Et pourtant nous demeurons sensible à l’errance de cette paumée, comme si elle représentait une part de nous même. Rejetée aux marges de la société, sa folle cavale résonne comme une échappatoire possible de sa déchéance. Peut être aussi parce qu’il nous est difficile de supporter qu’elle demeure insensible à tout instinct maternel.

Avec Be with me  j’avais emprunté à la médiathèque ce Gods & Monsters. Le titre titillait ma curiosité. Je ne suis vraiment pas un fana des films d’horreur, fantastiques et le thème supposé avait de quoi me rendre circonspect. Toutefois je me disais qu’il devait y avoir anguille sous roche pour que je désire le récupérer.

Le film commence chez Whale, un réalisateur hollywoodien célèbre dans les années 30 pour sa série des Frankenstein. C’est marrant j’étais incapable de pouvoir citer le metteur en scène de ses fameux films. Bref le vieux beau James a des soucis de santé et il s’ennuie dans sa luxueuse demeure hollywoodienne. Seulement entouré d’une gouvernante revêche il pose un regard fatigué sur son environnement. Un étudiant débarque pour une interview. Notre James ayant tout de suite repéré la grande folle s’amuse en lui proposant une strip interview. Il devra ôter un vêtement en échange de quelques souvenirs égrillards. Réjouissant que d’imaginer un journaliste contraint à de telles pratiques… On comprend que James use d’un tel subterfuge pour se moquer du freluquet qui met d’ailleurs un certain entrain à se dépoiler pour grappiller  d’émoustillants souvenirs. Mais cela n’amuse guère James Whale qui laisse vagabonder ses pensées au grée de ses réminiscences. Souvenirs d’un amour de jeunesse qui s’actualise en la personne de Clayton, le  jardinier. Un beau brin de garçon californien qu’on croirait sorti tout droit d’une production des Studio Falcon.

Brendam Fraser & Lynn Redgrave.

Le vieux réalisateur, qui n’a pas enterré sa libido, lui propose de venir poser dans son atelier de peinture. Clayton d’abord méfiant finit par accepter et entre les deux se tissent une surprenante et touchante relation mêlée de fascination et de tendresse. La différence de génération n’interdit pas une gentille romance. Clayton accompagne le vieux routier d’Hollywood chez Georges Cukor où l’on croise Boris Karloff. L’occasion de décrire la face cachée d’Hollywood. Les réceptions et les fêtes organisées chez les nababs hollywoodiens. Les références et citations cinéphiles abondent et donnent une coloration nostalgique au film.

James Whale, Ian Mc Kellen

On apprend que Whale vit sa carrière interrompue de n’avoir pas assez dissimulé son homosexualité. Nous sommes en 1957 et la visibilité altersexuelle se limitait à des soirées privées et à des allusions dans les films. Le personnage de Frankenstein symbolise d’une certaine façon la dimension monstrueuse tapie en chacun de nous. On peut repérer une symbolique altersexuelle dans le personnage de Frankenstein*.  Belle réussite de Bill Condon dans ce Gods & Monsters où se conjuguent une belle romance et une leçon d’amour du cinéma.  

En lisant l’excellent billet de Bernard A. consacré à ce film j’apprends que Ian Mc Kellen, l'acteur qui interprète Whale, avait revendiqué son homosexualité et s’était engagé dans la lutte contre le SIDA.

On visionnera avec intêret le remarquable documentaire The Celluloid Closet de Robert Epstein et Jeffrey Friedman qui décrypte la thématique altersexuelle dans la production hollywoodienne.

Bill Condon

Quelque part dans une région d’un Texas bien désertique, Llewelyn Moss (Josh Brolin) chasse la gazelle. Il découvre des voitures criblées de balles et éparpillés tout autour des corps bien refroidis. Le chasseur comprend qu’il vient de tomber par hasard sur un deal de drogue qui a mal tourné. Il trouve une mallette bourrée de dollars qu’il s’empresse de dissimuler sous son mobile-home. C’est pense-t-il la chance de sa vie…

Llewelyn Moss, Josh Brolin

Ailleurs, dans un bureau, un jeune shérif est violemment étranglé par un type bizarre qui récupère une curieuse bombonne de gaz. Puis on le retrouve au bord d’une route où d’un coup de jet d’air comprimé il explose la cervelle d’un automobiliste de passage.
Ça démarre brutalement dans ce No country, et ça ne va pas mollir. Llewelyn devient la proie de Anton Chigurh (Javier Bardem), le psychopathe qui joue à pile ou face la vie ou la mort de pauvres quidams qu’il croise. Le shérif Bell (Tommy Lee Jones) entre dans la danse, mais avec un temps de retard. Il est quelque peu désabusé devant ce triste spectacle d’un monde violent qu’il ne comprend plus.

Le shérif Bell, Tommy Lee Jones.

Anton Chigurh tel un taureau est lancé sur la piste de Moss. Rien ne peut l’arrêter. Il est indestructible. Il fait aussi bien que Rambo pour s’extraire une balle de sa cuisse. On le croit semé, mais c’est pour mieux resurgir. Un fantôme cauchemardesque. Dès qu’il apparaît on est saisi d’effroi devant ce personnage froid à l’humour glacial.
L’action se déplace vers la frontière mexicaine passablement passoire comme les corps et les serrures des portes dézingués par Chigurh. Le film se termine là dans un entre deux, à l’instar du récit onirique que raconte Bell.
Le film débute dans un paysage de western avec ses immenses étendues désertiques, ses cieux lumineux. Puis il vire au road movie thriller où nous sommes saisis par la perte du sens commun. Pourquoi cette violence, pourquoi rien ne peut stopper ce psychopator ? Plus de loi ni même d’humanité. Film sombre, pessimiste comme s’il ne pouvait pas exister d’issues.

Les deux frangins Ethan et Joel Coen témoignent d’un remarquable savoir faire. Des courses poursuites de toute beauté comme celle à la nuit tombante entre des tueurs, un chien et Moss, et celle où il se fait copieusement mitrailler dans son pick up par un Chigurh invisible.
Les décors superbes assez semblables à ceux de There will be Blood participent à l’ambiance oppressante et stressante du scénario tiré du roman de Cormac McCarthy. Les acteurs sont à la hauteur : Josh Brolin en cow boy looser, Tommy Lee Jones en vieux flic qui traîne son désenchantement et surtout Javier Bardem. Quelle extraordinaire composition. Un vrai psychopathe, jamais une lueur d’humanité, mais un  regard froid et inquiétant. Marrant de le voir coiffer d’une improbable perruque. Cet acteur espagnol déroule un beau parcours depuis Jamon Jamon, Les fantômes deGoya en passant par Mar Adentro.

J’évoquais récemment le renouveau du cinéma américain en voici une belle illustration.

De bonnes critiques ici et celle de Chori.

Sepha Stephanos tient une épicerie du côté de Logan Circle, quartier qui se dépeuple de sa population noire et pauvre et convoité par des promoteurs immobiliers. Son petit commerce périclite, les clients se font rares. Sepha vit au jour le jour. Il a renoncé à s’enrichir et il ouvre son épicerie par habitude et pour les prostituées qui viennent chercher un peu de chaleur. Cela fait une bonne quinzaine d’année qu’il a atterri à Washington, fuyant la sanglante dictature du colonel Mengestu qui venait de renverser le Négus. Son père avocat fut assassiné et Stephanos dut se résoudre à l’exil. Tout comme deux autres compères exilés africains qu’il retrouve hebdomadairement. Ils chassent leur spleen en jouant à un quizz sur les dictateurs africains. Seph a bien tenté de suivre des études universitaires et puis il a décidé d’être autonome, de travailler comme bagagiste avant d’acquérir un commerce, une petite épicerie de quartier, plutôt miteuse. 

Dans une maison mitoyenne emménage Judith, une jeune professeure d’université et sa fille Naomi âgée de dix ans. Naomi aime rendre visite à Seph et s’asseoir sur un tabouret devant son comptoir. Les clients sont peu nombreux, elle l’écoute inventer des histoires ou lire les chapitres des frères Karamazov. Naomi est une enfant métisse, son père universitaire d’origine africaine préfère Boston. Naomi devient le rayon de soleil de Seph qui attend avec impatience ses visites. Le temps ralentit, le rêve devient réalité, des moments de bonheur, de belles choses que porte le ciel. Cette citation de Dante, Seph se l’approprie. Faute de pouvoir gravir les échelons du rêve américain il se contente de balades dans Washington, d’humer les senteurs printanières, de contempler la lumière du soleil qui filtre à travers le feuillage. De petits détails qui le rattachent au quotidien et le protègent d’une dépression sous jacente. Il aimerait que Judith et sa fille l’invitent pour le réveillon. Il dépense presque toute sa recette en cadeaux. Pour sa famille, son jeune et sa mère demeurés en Éthiopie, mais aussi pour Naomi, un cahier-journal et un stylo et pour Judith un livre ancien. Mais voilà elles ont d’autres projets. Au lieu de se laisser gagner par la mélancolie il ouvre sa boutique, la vie palpite comme elle l’a toujours fait. Seul un tour de mon imagination avait pu m’amener à penser que je pourrais en sortir.

Pourtant on sent la blessure du narrateur, sa solitude, ses efforts pour construire un monde plus chaleureux. Entre deux pays, deux cultures, au fond pas si opposés que cela il tente d’établir des liens. L’Amérique ne va pas si bien et la vie à Washington est aussi difficile que à Addis Abeba. Seph garde la nostalgie de son pays, d’avoir abandonné sa mère et son frère. Peut être est-ce cela qui le retient de tout faire pour sortir de sa condition précaire, et se contenter de petits riens. Il accueille Naomi, et il n’ose pas conquérir sa mère. Un livre désenchanté, un homme coincé entre deux mondes vit et meurt seul. Cela fait longtemps que je vis en suspension. Comment exister dans une telle configuration ? En saisissant les belles choses que porte le ciel.

Lire ici une interview de l’auteur.

Dinaw Mengestu porte le même patronyme que le sanguinaire colonel dictateur qui a renversé le régime féodal du Négus.

Les belles choses que porte le ciel de Dinaw Mengestu (2007) aux Editions Albin Michel (traduit de l’américain par Anne Wicke), 305 pages.

Ah le cinéma américain a de nouveau du souffle ! Je parlerai prochainement de No country for old man.
Pendant une vingtaine de minutes on suit Daniel Plainview creusant un puits pour ramasser quelques pépites au risque d’y laisser sa peau, puis découvrir du pétrole et ériger un derrick. On baigne dans la boue, le pétrole visqueux et noir avec la sueur et le sang, des blessures et même la mort. Peu de parole, mais une musique lancinante, stridente, violente comme les images. Un vrai régal de cinéma. Il y aura du sang dans cette chronique typiquement américaine où se conjugue le rêve américain du self made man et la folie d’un prédicateur religieux. La terre saigne, et telle une hémorragie le pétrole gicle des entrailles d’une terre  inhospitalière. Là il va s’ériger des derricks à l’ombre desquels un clocher va s’implanter. There will be blood décrit l’édification de deux temples, celui du capitalisme incarné par Daniel Plainview et en contrepoint un temple religieux bâti par Eli Sunday. Le film emboîte alors la narration classique pour trouver des accents à la John Huston : grandeur et décadence. Parti de rien un prospecteur construit sa fortune en exploitant du pétrole. Il adopte un bébé dont le père vient de décéder et il part à la conquête de l’Eldorado du 20éme siècle : l’or noir. Avec ruse et détermination il amasse de ses mains une fortune. Il résiste aux margoulins de la Standard Oil, il innove et poursuit son irrésistible ascension. Il oublie en cours de route toute humanité. Il reconnaît haïr la plupart des gens, je veux juste gagner suffisamment d'argent pour les éloigner tous. Quand son fils adoptif devient sourd il le rejette comme indigne de l’accompagner. La folie le submerge, il se replie, s’alcoolise plus misanthrope et amoral que jamais.
De son côté Eli, habité par le Seigneur, construit son église à coup de sermons vengeurs à l’égard de la richesse accumulée par le pétrolier.

Deux personnages dissemblables, l’un  est baraqué, caricature de virilité alors que l’autre n’est qu’une crevette bavarde. Tous deux s’opposent et chacun sur son terrain va livrer une féroce bataille jusqu’à l’éblouissante scène finale. D’ailleurs cette conclusion aussi réussie que l’introduction rehausse un film qui se traîne en cours de route. Dommage que l’intensité de la séquence du début s’estompe, pour livrer un ventre un peu mou seulement pimenté par le jaillissement d’un geyser noir qui s’embrase, avant la formidable scène finale.

Le film repose sur les épaules d’un Daniel Day-Lewis épatant. Dommage que le prêcheur n’apparaisse qu’épisodiquement, pourtant Paul Dano (l’ado mutique de Little Miss Sunshine, et aussi d'un ado dans le magnifique L.I.E.) soutient la comparaison avec le double oscarisé. Un film quasiment sans femme, un univers d’hommes, les rares femmes s’entassent à l’église. La terre qui pourrait symboliser le corps maternel apparait ici sous un aspect sec, aride, trouée d’où s’échappent des jets de colonnes d’or noir. Paul Thomas Andersson, le réalisateur, n’a pas réussi à maintenir le souffle, le rythme tout au long du film. Cela donne toutefois un film d’une belle ampleur avec une critique acerbe du capitalisme et d’une certaine pratique religieuse. Bonne nouvelle en provenance d’Hollywood, le cinéma américain nous offre à nouveau des œuvres fortes et dérangeantes à l’encontre d’une Amérique bushienne.

Belle musique de Jonny Greenwood,  guitariste du groupe Radiohead.

Des critiques ici.