BLOG - ALBUM DE PSYKOKWAK

Timothy (Tanner Cohen) un choupinou élève de terminal dans un lycée américain d’un epetite ville de province ne cache pas son altersexualité ce qui lui vaut le plaisir de d’endurer les insultes de ses camarades. Dans cet établissement privé le coach de l’équipe de rugby incarne la quintessence du mâle américain c’est à dire un muscle en guise de cerveau. Il ne manque pas une occasion de ricaner et laisser ses élèves molester Timothy. Quelquefois celui-ci se rebiffe et il assène quelques coups mais esseulé il préfère s’évader dans un imaginaire où l’amour, la beauté et le respect auraient leur place. Quand il rentre chez lui sa mère inquiète du coquard aimerait le réconforter. Mais Timothy se réfugie dans sa chambre en compagnie de son ami Max (Ricky Goldman) flanqué de Frankie (Zelda Williams) sa petite copine punk qui se questionne sur ses préférences sexuelles.

Au lycée, Miss Tebbit (Wendy Robie) la professeur d’art propose de monter une pièce de Shakespeare et elle incite fortement Timothy à tenter l’expérience théâtrale. Un peu à contre cœur il accepte et se voit confié le rôle de Puck dans Le songe d’une nuit d’été. Il se révèle un bon chanteur, un peu à notre surprise d’ailleurs. Alors que Timothy annone les vers il découvre la recette du philtre d’amour utilisé par son personnage dans la pièce. Dès lors le film va basculer dans la fantaisie et l’onirisme.
Max s’amuse avec la potion, s’en renverse et déclare illico sa flamme à l’embarrassé Timothy. Bien qu’il soit flatté de cette soudaine attention il le repousse gentiment. Son cœur bât secrètement pour Jonathon (Nathaniel David Becker), le beau gosse capitaine de l’équipe de rugby dont il est secrètement amoureux. Et dès qu’il en a l’occasion Timothy lui souffle l’élixir d’amour et derechef l’hétéro un peu macho tombe dans ses bras. On imagine aisément les roucoulades entre les deux garçons au grand dam de la gente féminine délaissée.

Tanner Cohen & Nathaniel David Becker

Progressivement le lycée est contaminé par cette potion magique et tout ces braves ados tournent casaque. Le coach ira déclarer son amour au proviseur… Une petite ville où l’altersexualité devient la norme principale ! On s’amuse à cette farce où l’amour devient le leitmotiv de cette communauté auparavant bigote.
Comme on peut s’en douter une fois la pièce jouée, tout cela reprendra un cours normal après leur avoir dessillé les yeux.

Le scénario s’appuie sur la comédie de Shakespeare dont il reprend l’ambiance féerique et onirique. De nombreuses séquences de comédie musicale scandent le film et lui donne une atmosphère joyeuse, aérienne. On admire tous ces beaux choupinous torse nu chanter les vers du grand William dans des décors kitschissimes qui évoquent l’univers de Pierre et Gilles.

C’est une comédie bien sympathique qui emprunte la voie de l’inversion pour illustrer la bêtise et l’ignorance de l’homophobie ordinaire. Cela me rappelle un film Almost normal où le héros ramené dans le passé s'aperçoit que dans son lycée tout le monde est gay !
Were the world mine joue sur le registre de la légèreté et on se laisse bercer par le rythme enjoué des séquences chorégraphiées et chantées même si leur qualité reste modeste. On est emporté par la joyeuseté du film. On regrette les caricatures faciles comme l’opposition entre les deux professeurs. Le prof de gym macho décérébré qui ne pense que rugby et l’éthérée professeur d’art qui parvient à fructifier la substantifique gaytitude de son élève. De même la famille de Timothy avec une mère très soucieuse de son rejeton et un tantinet intrusive et un père … absent qui a claqué la porte et laissant sa femme avec son jeune fils.
Mais cela n’oblitère pas notre plaisir de savourer cette fable féerique. En plus c’était pendant le festival Chéries-chéris à Paris au milieu d’un public gaiement altersexuel et d’emblée gagné à la cause.

Les premières images nous montre un type au volant d’une Peugeot 504 roulant à grande vitesse sur une autoroute allemande avec la radio à fond qui diffuse du rock. C’est Rainer Wenger (Jürgen Vogel) un prof de philo ? d’un lycée de Berlin au look un peu marginal arborant des tee-shirt punk et destroy et des idées anarcho tiers mondialistes. Pendant une semaine Wenger doit animer un atelier dont la thématique traite de l’éducation à la démocratie. Il aurait préféré travailler sur l’anarchie mais le voilà obligé d’aborder l’autocratie. Face à des élèves peu enclins à réfléchir sur un concept lié à un passé qui ne les concerne plus ou pas (comme l’élève d’origine turque !!), il décide d’expérimenter hic et nunc ce type de pouvoir politique. Il s’appuie sur une pédagogie socratique qui rallie les apathiques et les sceptiques. Habilement, il parvient à se faire désigner comme le chef puis il applique à ces les lois du fonctionnement de l’autocratie. Il impose aussitôt ses règles qui ne rencontrent qu’assez peu de contestation. Au début, dans la classe, il règne un esprit critique un peu frondeur, avec une certaine indiscipline et lorsque se met en place l’autocratie, tous comme un seul homme ou presque respectent militairement les règles. Lever la main, attendre l’autorisation et se lever pour parler. Les frondeurs d’hier se comportent sagement et même reconnaissent ces bienfaits ! Les élèves ayant accepté d’abandonner leur liberté au profit d’un meneur.

Jürgen Vogel

Wenger utilise les recettes de séduction groupale qui finissent de dissoudre les individualismes. L’adhésion des élèves obtenue, la cohésion des membres se fond dans une illusion groupale. L’indifférenciation devient la norme, chacun abandonne ses particularismes. En contre partie tous les individus de la classe, du groupe se sentent en sécurité sous la férule d’un autocrate charismatique. D’eux mêmes les élèves (mais peut on encore parler d’élèves ?) renforcent la solidité du groupe en se choisissant un nom, un symbole, des gestes d’appartenance au groupe. L’élément réfractaire, hostile se retrouve désigné comme bouc émissaire et il focalise sur sa personne toutes les projections négatives. Ceci renforce et accentue la cohésion du groupe. Le groupe, la vague devient le lieu refuge, le modèle, et tout l’extérieur est vécu et qualifié de mauvais.  Parvenu à ce stade l’autocrate Wenger, grisé par l’ivresse du pouvoir, oublie sa fonction de pédagogue et laisse la machine s’emballer. Lorsqu’il reprend conscience de la dérive instituée, il est trop tard.

Dennis Gansel et son scénariste reprennent le roman de Todd Strasser et une expérience similaire menée à Palo Alto pour la transposer à l’époque actuelle. Avec en toile de fond la question de savoir si les barbaries du 20eme siècle peuvent se reproduire. L’actualité fourmille d’exemples  de sa réalité, de la Yougoslavie au Rwanda en passant par le Cambodge. À une échelle moindre il suffit d’observer les sectes, et tous les fanatismes.
Dennis Gansel déclare avoir été hanté d’apprendre que son grand père adoré avait été séduit par le nazisme et soldat dans la Wehrmacht. Il ajoute qu’il a peur que se reproduisent semblables phénomènes : l'individualisme et l'atomisation de nos sociétés ne pourront pas fonctionner éternellement. Un tel contexte créé inévitablement un vide, et le danger est qu'un nouveau "isme" se présente pour le remplir.
Je me suis essentiellement intéressé à la dynamique groupale illustrée dans ce film, et scotomisé la référence historique de la montée du nazisme et autres totalitarismes. Pourtant le réalisateur ne ménage pas les clins d’œil, lorsque l’on voit le prof s’exprimer de plus en plus comme un Hitler, adopter des postures mussoliniennes etc…

Le film ne fait pas dans la dentelle, et s’égare facilement dans la caricature. C’est un professeur avec une ascendance de fait sur ses élèves qui favorise cette évolution théoriquement trop belle pour être vraie. Des esprits jeunes, malléables, peu critiques malgré un passé ressassé au cours de leurs études.
Une fois obtenue leur consentement et leur indéfectible obéissance, il jouit de sa puissance… et renonce à tout esprit critique et se prend pour un gourou. L’interprétation de la perte de contrôle du groupe qui serait liée à son angoisse d’enseignant face à ses élèves paraît d’autant plus faiblarde qu’il est aussi entraîneur sportif.

La vague décrit fort pertinemment la psychologie des foules. Des individus tous différents qui s’abandonnent progressivement dans un même mouvement. Nous avons tous expérimentés ces phénomènes, au théâtre lors des applaudissements en cadence, dans les stades avec les ola etc. …
On peut s’étonner de l’abandon de quasiment toutes formes de raison de la part des participants. Pourtant elle existe mais toujours à la marge et le fait d’individus très marqués. Une adolescente refuse l’endoctrinement et la diminution de sa liberté, un fils à papa, dans un premier temps ne veut pas jouer. Mais la grande masse adhère à cette dynamique groupale jusqu’à attirer d’autres personnes.

Max Riemelt & Jürgen Vogel

Une fois la machine lancée et la servilité obtenue le professeur jouit de sa puissance, du pouvoir qu’il exerce sans la moindre objection des élèves. Le scénario laisse penser que sa fragilité psychologique serait inhérente au dérapage de l’expérience à son impossibilité de la contrôler, grisé par le pouvoir acquis.
Pour le drame on pointe l’élément faible qui trouve dans le groupe un moyen d’exister par une nouvelle identité. En bon petit soldat il est prêt à se sacrifier pour la cause.

Un film un peu trop démonstratif et qui chausse facilement les gros sabots du sensationnalisme. Reste une bonne illustration de la dynamique de groupe et du risque encouru par des utilisations au profit de pouvoirs totalitaires.

Lire ici des avis et la critique de Bernard A. sur Napola du même cinéaste.

À l’école primaire, Mew est chahuté par des garçons qui le traitent de mauviette et de pianiste! Tong vole à son secours, récolte une rouste et son amitié. Il habite en face de l’appartement de Mew qui vit seul avec sa grand-mère. Orphelin, il est très attaché à cette grand mère qui se réfugie dans le passé de son mari musicien. La famille catholique de Tong parait heureuse, ils possèdent une belle maison. Le père a les yeux de Chimène pour sa grande fille Tang. Il intercède souvent auprès de sa femme afin qu’elle lui octroie plus d’indépendance. Lors d’un séjour à Chiang Mai, au nord de la Thaïlande, l’adolescente disparait alors que ses parents avaient accepté à contre cœur qu’elle randonne avec des amis. Ce drame les bouleverse profondément. Le père s’accuse de l’avoir autorisé à participer à cette funeste excursion. Tong trouve auprès de Mew du réconfort et en remerciement il lui offre un cadeau pour son anniversaire. Toutefois les parents déménagent laissant Mew seul et triste.

Witwisit Hiranyawongkul & Mario Mauer

Six années plus tard Mew (Witwisit Hiranyawongkul) compose et chante dans le groupe August, un boy’s band  qui remporte du succès. Le choupinou Mew est courtisé en vain par sa voisine, Ying, la seule apparemment à ignorer qu’il est guère sensible aux charmes féminins. On se demande d’ailleurs s’il a conscience de son inappétence pour les filles. Une scène assez drôle le voit à un cours de secourisme. Son partenaire doit effectuer un bouche à bouche ce qui l’effraie d’autant. Il accuse Mew d’en profiter pour l’embrasser ! Ying décide de passer outre et à l’aide d’un manuel de superstitions elle teste différentes recettes pour s’attirer les faveurs de son voisin.
Tong (Mario Maurer), tout aussi craquant en plus costaud, termine sa scolarité au lycée. Il a une copine, la charmante Donut que tous les garçons de sa classe lui envient jalousement. Dans sa famille, c’est la grande déprime. Le père neurasthénique squatte le canapé à écluser des litres d’alcool. Il ne se remet pas de la disparition de sa fille chérie. Sa femme dirige la maisonnée. Le fils doit se plier aux exigences d’une mère qui régimente ses activités. Tong souffre dans ce climat pesant et oppressant. Les deux adolescents se croisent dans le quartier de Siam, un grand centre commercial où la jeunesse de Bangkok a l’habitude de déambuler. Ils renouent presque aussitôt leur relation. Avec surprise et plaisir chacun découvre qu’il n’a pas oublié son ancien ami. Ces retrouvailles relancent la créativité musicale de Mew. Pour sa part Tong en profite pour délaisser Donut avec laquelle il s’ennuie… à la grande consternation de ses copains.

Mew compose des chansons d’amour qui plaisent au producteur du groupe. Celui-ci demande à June, une jeune assistante de cornaquer le groupe, de fructifier leur renommé. Tong qui assiste aux répétitions du groupe fait sa connaissance et il est stupéfié de la ressemblance avec sa sœur. Elle est le sosie parfait de Tang. Il l’emmène rencontrer sa mère qui est aussi troublée. Elle lui propose de jouer le rôle de sa fille disparue en espérant ainsi sortir son mari de sa mélancolie. June se prête au jeu.
Lors d’une soirée pour fêter le retour de Tang/June, la mère surprend son fils embrasser tendrement Mew. Ne supportant pas cet amour elle interdit à Mew de le revoir. La castratrice argumente qu’elle souhaite que Tong réussisse ses études, décroche un bon métier et épouse une femme. Mew obtempère et coupe toutes relations avec son amant. Du coup il perd aussi son inspiration. Finalement Mew recouvre son talent de musicien. Tong outrepasse l’interdit maternel et se rend au concert du boy’s band, au mécontentement de Donut et aussi de Ying obligée de reconnaître l’altersexualité des deux adolescents. Après le concert Mew déclare à Tong je ne peux pas être ton petit ami mais cela ne veut pas dire que je ne t’aime pas. Rentré chez lui, Mew pleure doucement. On nous laisse imaginer la suite…
Un sympathique film thaïlandais. Une romance pour adolescents à connotation altersexuelle dont j’imagine que le réalisateur a voulu en atténuer le caractère trop explicite. Prudent, Chookiat Sakveerakul révèle qu’il a pris soin d’éviter le label gay pour son film et il note l’importance des réactions homophobes de certains spectateurs lors des projections.
La publicité en Thaïlande a édulcoré l’aspect gay en insistant sur les relations entre garçons et filles comme l’affiche tend à le souligner. 

Toutefois l’amour entre les deux garçons est clairement évoqué, certes pudiquement et pris dans un ensemble de thèmes. Le réalisateur (26 ans) a voulu étoffer son scénario en abordant plusieurs thèmes, la sexualité des jeunes, la perte d’un être cher, l’acceptation du désir de l’autre, en créant une œuvre riche en détails. Comme le cérémonial catholique (les prières, la crèche, le sapin de Noël) dans un pays largement bouddhiste. La durée s’en ressent (2 h 30) et quelques coupures dynamiseraient et resserreraient le récit. Je ne vois pas ce qu’apporte l’épisode June. De même les nombreuses bleuettes chantées donnent une touche bollywoodienne inutile, certainement pour le spectateur occidental. On se console en admirant la charmante frimousse du chanteur.

Witwisit Hiranyawongkul

La longue introduction s’attarde sur la psychologie des personnages. Certains traits frôlent la caricature comme les couplages père/Tang et mère/Tong, illustration simpliste du classique Oedipe freudien. Plus nuancé le portrait de la mère dont le comportement et la personnalité s’avèrent plus adaptée. Elle campe une femme aux accents histrioniques, sa fille lui reproche de n’être jamais satisfaite.  C’est pourquoi elle n’apprécie guère la bienveillance de son mari pour sa fille. Quand Tang disparaît, la mère se remet plus rapidement de la perte que ses hommes. Le père sombre dans une dépression mélancolique et le fils trouve auprès de Mew le réconfort. Par la suite son caractère se rigidifie, elle refuse que les autres puissent éprouver des désirs différents des siens. Elle n’accepte pas l’amitié et l’amour des deux garçons qui contredit son rêve d’avenir pour son fils. Mew s’extrait de l’emprise maternelle dans une scène où il exprime clairement que son désir peut être différent du sien et qu’elle doit le laisser décider de ses propres choix.
Les deux acteurs choupinesques endossent leur personnage avec naturel et sensibilité. Ils reconnaissent leur appréhension pour la gentille séquence du baiser. Dans un entretien Mario Maurer (Tong) de père allemand et de mère sino-thaïlandaise a déclaré j’étais nerveux, je n’avais jamais embrassé un homme, ni l’habitude d’embrasser tous les jours. Mon père m’a dit qu’il s’agissait juste d’un boulot et de ne pas trop m’en faire.

Mario Maurer

Le cinéma thaïlandais présente habituellement les homos de manière caricaturale ou dans des films transgenres tels que Beautiful boxer ou Satreelex,  the Iron Ladies. Love of Siam se démarque des précédentes productions et, si on excepte Tropical Malady d’Apichatpong Weerasethakul et Bangkok Love Story de Poj Arnon (2007), le film aborde avec sincérité et réalisme la sexualité des jeunes gays. Chookiat Sakveerakul avait auparavant réalisé des films typiquement thaï comme Pisaj (2004), un film d’horreur et le thriller psychologique 13 beloved (2006).
Bien que le réalisateur s’en défende Love of Siam traite essentiellement de l’altersexualité chez les adolescents. Que ce soit dans la forme naturelle chez Mew ou dans sa reconnaissance et son acceptation chez Tong. De même que son appréhension par les jeunes, ambivalente et aussi acceptée. Elle reste plus problématique au niveau des adultes.

Love of Siam, un beautiful thing à la sauce thaï. 

Lucia Puenzo avant d’être cinéaste, est écrivain, et il y a une dizaine d’année, elle a publié El Niño Pez. Je n’ai pas lu le roman et le 8eme festival Vues d’En Face de Grenoble a eu la bonne idée de nous présenter en avant première française son adaptation cinématographique.  Sa sortie est programmée pour le 6 mai .

Lala (Inés Efrón), une adolescente de bonne famille de Buenos Aires, aime passionnément la jeune femme qui travaille au service de sa famille. Cette jolie brune, la Guayi (Emme) originaire du Paraguay est venue se réfugier chez eux alors qu’elle avait treize ans. Le secret qu’elle porte se dévoilera au cours de l’histoire. Les deux jeunes femmes entretiennent des liens amoureux intenses et elles projettent de vivre toutes les deux ensemble. Si Lala n’a d’yeux que pour la domestique, La Guayi se laisse séduire facilement par les hommes. Un soir Lala aperçoit son père user d’une sorte de droit de cuissage avec la domestique. Désemparée elle laisse son père avaler le verre de lait empoisonné qu’elle s’était préparée. La police a tôt fait d’accuser la servante qui prend la poudre d’escampette. Lala se tait, et elle s’enfuit là où elle espère la rejoindre dans son village natal au bord du lac Ypoà dont une légende raconte qu’au fond du lac vit un enfant poisson, réincarnation d’un jeune enfant mort noyé.

Inés Efrón & Emme.

En fait à défaut de la retrouver, elle rencontre son père, chanteur de charme et elle découvre le secret de son amante. Á son retour chez elle, elle tente en vain de disculper son  amie incarcérée qui préfère endosser le crime comme pour expier sa faute originelle. Nous découvrons l’histoire au travers les yeux de la jeune Lala et avec elle nous cheminons pour recoller les morceaux de ce film à la trame déconstruite.

La cinéaste ancre son scénario dans la réalité politique et sociale argentine. D’un côté une famille bourgeoise dominée par un père juge qui profite de sa position sociale et de l’autre une immigrée subissant la servitude de sa condition.
Lala traverse les barrières de classes mais de façon naïve alors que la Guayi ne se fait guère d’illusion sur l’impossibilité d’échapper à une destinée sociale. L’amour altersexuel des deux femmes n’est qu’une face de cette histoire.
La révolte de Lala  apparait plus épidermique, elle n’est mue que par son désir de vivre avec son amante qu’elle connait depuis sa jeunesse. Son désir pour la servante est brulant, total, fusionnel. Cela la conduit à voler sa propre famille et à empoisonner son père par vengeance. Du côté de la domestique le désir est plus ambigu, en tout cas multiple, moins exclusif et partagé avec des hommes. La Guayi présente une complexité liée à son enfance, son origine que Lala tente de reconstruire.
La fin du film nous embarque dans une histoire limite abracadabrantesque qui nuit à la force du récit. En revanche, dans la partie road-movie, lorsque Lala part à la recherche de son amie au Paraguay le film emprunte une tonalité onirique, chargée de mystère qui allège le propos quelque peu côté manichéen de la fin de l’histoire.  
De Lucia Puenzo j’avais vu son beau XXY qui interrogeait intelligemment la question du genre à travers l’histoire d’une adolescente à l’identité sexuée indéterminée (hermaphrodisme). Film rare pour une thématique « ovni » au cinéma qui est traitée avec sensibilité et tact.
On retrouve l’intérêt de cette réalisatrice pour l’élément aquatique. La légende de l’enfant poisson nous offre une belle séquence sur l’imaginaire et les mystères déjà présent dans XXY. De même Lucia Puenzo conserve un regard du point de vue de l’adolescence. Cela lui permet de  décrire la passion propre à cet âge, des inquiétudes, de la fulgurance du désir, de ces retournements.
L’actrice Inés Efrón (Alex dans XXY) incarne merveilleusement bien cette adolescente passionnée. À ses côtés Mariela Vitale connue sous son nom de scène (une rockeuse) d’Emme affiche une belle générosité.  Les deux actrices forment un couple solaire dans ce film sombre. On peut penser à un Thelma & Louise adolescent aux accents argentins.

Inés Efrón.

El Niño Pez, film argentin réalisé par Lucia Puenzo (2009). Présenté au 8eme festival gay et lesbien Vues d’en face de Grenoble.

Une agréable surprise ce Country Teacher, d’un tchèque dont le titre est en anglais comme son précédent film Something Like Happiness. Un titre genre : un instit de campagne aurait il une connotation péjorative ?

Petr (Pavel Liška) jeune professeur de biologie débarque dans la Bohême profonde au sud de Prague non loin de České Budějovice (je l’ai lu sur un autocar). Il cherche un lieu de tranquillité un peu comme l’escargot qui se réfugie dans sa coquille. Que fuit ou que recherche Petr pour venir se perdre dans un tel trou et enseigner à de jeunes enfants lui le prof de lycée ? Le directeur de l’école primaire qui l’accueille et le loge chez sa vieille mère lui demande la raison de sa mutation. Petr ne répond pas et le directeur dubitatif lui donne tout au plus six mois pour les quitter. Effectivement il doit avoir de « bonnes »  raisons pour s’isoler dans ce patelin et accepter de partager une chambre chez une vieille qui laisse la  télé allumée toute la nuit pour lui tenir compagnie, je suis moins seule ainsi.
Doucement l’histoire avance avec une description de l’environnement, des voisins, de la classe, rien de bien folichon. Et même déprimant dans cette collection de portraits d’individus esseulés qui se réunissent le samedi soir pour des beuveries ou des bals de campagne. Petr rencontre Marie (Zuzana Bydžovská), veuve d’un second mariage, et toujours inconsolée du départ de son premier mari qui l’a délaissé pour une plus belle. Elle élève son fils Lada (Ladislav Šedivý),  âgé de dix sept  ans qui l’aide aux travaux de la ferme.
Petr semble s’acclimater à cette ambiance agreste, il trinque et sympathise avec les paysans qui l’appellent monsieur le professeur. Quand il ne raconte pas la vie de la nature à ses jeunes élèves il muse dans la campagne verdoyante, s’allonge lire en haut des meules de foin.

Marie lui tourne autour, lui conte fleurette mais il demeure distant. Ils cueillent des cerises et on commence un peu à s’ennuyer. Fin du premier acte. Au suivant, Petr passe à Prague chez ses parents et l’on apprend ce que l’on subodorait, son altersexualité.  Ses géniteurs compréhensifs l’avisent de trouver un compagnon, d’éviter de rester seul.
Un peu plus tard son ancien amant débarque chez lui et Petr le repousse ne l’aimant plus! Mais difficile de cadenasser les pulsions sexuelles d’autant qu’elles s’incarnent sous les traits de Lada. Bien qu’il baisouille avec une lycéenne praguoise en vacances chez ses grands parents, Petr le couve d’un regard de désir. Ça tombe bien, Marie qui en pince pour le prof mais imagine qu’il la repousse à cause de son âge lui demande d’aider scolairement son rejeton.

Dans un premier temps l’adolescent refuse préférant les jeux vidéos puis il accepte espérant ainsi plaire davantage à sa dulcinée qui le considère trop rustre. Petr socratise gentiment l’ado jusqu’au soir où Lada ivre échoue dans sa chambre. Ne pouvant retenir son envie, Petr s’enhardit, s’approche de l’ado assoupi et le caresse. Lada se réveille furieux et claque la porte. Dans le dernier acte le prof contrit de culpabilité sollicitera le pardon de Marie et de son fils.
Bodhan  Sláma avec un scénario simple dans un décor bucolique un peu trompeur nous laisse du temps pour découvrir les protagonistes et nous immerger dans leur environnement campagnard. Le secret de Petr, sorte de haine de soi que représente son orientation sexuelle le pousse à ériger une barrière entre lui et les autres, à se replier sur lui même. Cette force négative se retrouve aussi à l’œuvre chez les autres protagonistes. Peu de temps auparavant Petr avait enjoint Lada de commencer par s’aimer s’il désirait (re)conquérir sa petite amie. Mais Petr lui-même ne parvient pas à assumer sa différence. C’est un peu le leitmotiv du film d’être en harmonie avec soi même, et de s’ouvrir aux autres.

La scène de la transgression de l’interdit, séquence centrale du film, va déclencher le processus de l’ouverture. Le cinéaste filme avec tact la scène d’attouchement furtif. Ce passage à l’acte figure la levée brutale du refoulement des désirs réprimés chez Petr. S’ensuit une dramatisation qui m’a fait craindre un dérapage sulpicien digne des films du siècle dernier qui abordait le thème douloureux de l’homosexualité. En fait l’altersexualité représente un prétexte pour décrire la solitude de ces personnages, et qu’au delà de cette singularité il est question de la rencontre avec l’autre, et de la capacité à pardonner. La dernière scène du film, très documentaire vétérinaire, montre les protagonistes solidaires pour mettre bas un veau. Une naissance toute symbolique voire un peu optimiste et naïve.
Country Teacher a un côté un peu rétro bien servi par des acteurs qui donne consistance à leur personnage. De plus les films tchèques qui évoquent l'altersexualité sont rares d'où notre plaisir à le découvrir.

Ici une interview du réalisateur.

Country Teacher (Venkovský učitel) film tchèque réalisé par Bodhan Sláma (2009).

Dans l’immense mégapole de São Paulo, quatre frères tentent de trouver leur voie pour survivre. Nés de pères différents et inconnus, ils entourent leur mère Cleuza (Sandra Corveloni) enceinte d’un cinquième enfant. Le dimanche elle encourage virilement l’équipe locale de football les Corinthians.  Elle clame énergiquement qu’ils n’ont pas besoin de père et qu’elle assume tous les rôles ! Ils vivent entassés dans bicoque minable dans un quartier périphérique à l’abandon.
Pour vivre Cleuza fait des ménages au noir au centre ville chez une bourgeoise qui l’emploie et la traite avec condescendance.
L’aîné Denis (João Baldasserini) slalome dangereusement au milieu de la circulation au guidon de sa moto comme coursier pour un maigre salaire. Juste de quoi payer les frais médicaux de son gamin qui vit avec sa mère dans une autre maison. Il vit d’expédients souvent à la limite de la légalité. Au contraire son cadet, Dinho (José Geraldo Rodrigues), bosse dans une station service et passe tout son temps libre chez les pentecôtistes de l’Assembleia de Deus. Sa foi et son engagement dans la communauté religieuse donnent un sens à son existence en le préservant d’une tentation de la délinquance. Le troisième Dario (Vinicius de Oliveira) rêve de devenir footballeur professionnel. Mais il atteint l’âge fatidique des dix huit ans, couperet pour espérer intégrer une équipe. Quant au benjamin, Reginaldo (Kaïque Jesus Santos) âgé d’une douzaine d’années, il recherche son père de couleur. Ayant appris la profession de son géniteur, conducteur de bus, il squatte les autobus, imite les chauffeurs et espionne le dépôt des bus publics à sa recherche.
Vicinius de Oliveira, José Geraldo Rodrigues, Kaïque Jesus Santos & João Baldasserini.

Quatre frères, quatre trajectoires et autant de manière de survivre dans un environnement hostile sous le regard d’une mère phallique attentive à sa progéniture. En l’absence de repères paternels, ils suivent, de façon excessive, des parcours différents pour aménager ce manque. Denis toujours sur le fil sur sa bécane, flirte avec la mort et la délinquance. Dinho s’investit à outrance dans l’appartenance à sa communauté religieuse. Dario souhaite se fondre dans un groupe sous la férule d’un entraîneur. Reginaldo exprime clairement ce désir d’identification paternelle au cours sa quête effrénée. 
Walter Salles filme ces cinq portraits avec un réalisme cru au plus près de ses personnages. On frôle les voitures et les camions à côté du coursier, on passe le ballon à Dario sur le terrain de foot, on prie dans l’église avec Dinho, et on accompagne Reginaldo dans ses pérégrinations urbaines.
Chacun déroule son récit feuilletonesque qui s’entrecroise, se répond. Dans cette violence urbaine l’avenir est rarement radieux, plutôt bouché comme l’évier de la cuisine de Cleuza.
La narration est tendue, et fluide, on passe de l’un à l’autre toujours dans une tension, une urgence, une fragilité à l’image du pays. Reste la confiance qui habite les protagonistes d’un jour meilleur. Le désir d’échapper à une destiné tragique qui semble inéluctable les conduit à puiser dans leur ressource. Le réalisateur filme un Brésil dur, âpre, sans avenir. Ces personnages tentent d’échapper à cet environnement déprimant. Des échappatoires restent possibles à l’instar des voies suivies par ces acteurs.
Le cinéaste abandonne le mélo sympa de Central do Brasil pour une illustration naturaliste du Brésil actuel.
Une famille brésilienne rejoint la fille du RER dans cette interrogation sur une société aux repères flous, aux absences paternelles et en quête d’identité.

Sandra Corveloni

J’avais lu ici et là quelques commentaires sur cette série « teens » anglaise. J’ai regardé la première saison et les deux premiers épisodes de la seconde saison. Il s’agit d’un groupe d’adolescents âgés de 17 ans qui fréquentent le même lycée, the Roundview Collège de Bristol. Chacun des neuf épisodes titre le prénom d’un des jeunes qui devient le personnage central du feuilleton. On s’aperçoit vite qu’il s’agit principalement d’un quatuor composé de Tony, Sid, Chris et Michelle auxquels se joignent Jal, Cassie, Anwar, Effy et Maxxie. Chaque personnage représente un caractère assez typé voire même stéréotypé.
Tony (Nicholas Hoult), le personnage central incarne l’ado qui réussit tout, aussi bien les études que sa vie sentimentale. Il drague et cueille toutes les minettes qui passent à sa portée. Conscient de son aura et s’appuyant sur son intelligence, il manipule allégrement son entourage masculin et féminin. Son comportement pourrait même être qualifié de pervers narcissique. Ce qui l’intéresse c’est uniquement sa petite personne et tous les autres ne sont que des objets qu’il utilise à sa guise. Certains d’ailleurs renforce sa conduite en jouant le jeu. Quelquefois il frôle la psychopathie faisant fi des règles, trichant etc. Toutefois à la fin de la première saison, son attitude s’amende quand démasqué, son entourage s’étiole le laissant seul.

Tony, Nicholas Hoult.

Sid (Mike Bailey) le faux intellectuel avec des lunettes et un bonnet scotché sur son crâne personnifie le « puceau ». Inféodé à Tony qu’il admire pour ces conquêtes féminines il passe son temps à fantasmer sur Michelle inaccessible. Il  n’osera jamais passer à l’acte avec Cassie (Hannah Murray) qui pourtant ne demande que cela. On peut le comprendre vue la fille totalement déjantée. Anorexique, obsessionnelle, mythomane, suicidaire, à elle seule elle condense une symptomatologie assez carabinée pour servir d’illustration de la psychopathologie adolescente. Chris (Joe Dempsie), un peu brut de décoffrage est le parangon de l’ado mû essentiellement par le pulsionnel. On a l’impression qu’il a abandonné l’idée de recourir à son intellect et que sa queue tient lieu d’entendement. D’ailleurs le 4 eme épisode le trouve victime amusé d’un priapisme à la suite d’une surconsommation de pilules bleues. Quasiment orphelin, sa mère s’est barrée en lui laissant comme seule explication une liasse de billets… Dans ces conditions on comprend qu’il se réfugie dans une recherche exclusive d’aventures charnelles, faute d’envisager des relations sentimentales adaptées. Michelle (April Pearson) est amoureuse de Tony, lui passant presque tout jusqu’au jour où elle refuse les frasques de son petit ami (ces coucheries) et surtout l’absence de paroles sincères. Une ado plutôt bien dans son corps, et qui souhaite allier le plaisir sexuel et l’amour. Jal (Larissa Wilson), d’origine africaine serait la plus raisonnable affectivement parlant. On ne la verra jamais baiser, sauf sa clarinette qu’elle joue très bien. Anwar Dev Patel), musulman d’origine pakistanaise louvoie entre ses désirs sexuels et les rigueurs de sa religion qu’il pratique assidûment. Il prend toutefois des libertés avec la culture familiale et suit avec entrain ses copains dans leurs beuveries, fumeries et parties de jambes en l’air. And last but not least Maxxie (Mitch Hewer), le choupinou amateur de danse de claquettes et qui endosse sereinement sa gaytitude.

 Les scénaristes ont volontairement dramatisé les aventures de leurs personnages qui accumulent une série d’expériences aux entournures surréalistes. Ils sont dans l’excès, que ce soit de boissons, de drogues (ecstasy) et de sexe. Ils sont tous affublés de parents minables, encore plus infantiles que leur progéniture. La mère de Michelle s’envoie en l’air avec un play boy décérébré, le père de Tony, un vieux beauf dépassé gueulard et ridiculisé par sa famille. Celui de Sid ne vaut guère mieux, son fils lui dira comment se comporter avec son épouse qui vient de se barrer de la maison et ainsi de suite. Les parents de Cassie n’ont pas terminé leur adolescence et ils sont incapables de s’apercevoir de l’état de déréliction de leur fille. À côté de ces parents si l’on regarde les autres adultes on touche le fond ! Une jeune prof de psycho  (en Grande Bretagne, on enseigne la psychologie au lycée ?), qui déprime en classe (classique professoral) et s’envoie en l’air avec Chris, le garçon le plus abîmé ! Un autre pédago apparaît comme un pleutre et un incapable qui ne pense qu’à sauter sa collègue. Et je passe sur la psychiatre !  En tout cas dans cette saison 1 les adultes rivalisent d’infantilisme, d’irresponsabilité et ils ne tiennent jamais leur fonction de parent, d’adulte.

Sid, Mike Bailey

Néanmoins on remarque une certaine bienveillance pour les personnages marginaux et leur entourage. La famille d’origine pakistanaise, comme celle de Jal, et de Maxxie bénéficient d’une relative sympathie. Au début de saison 2 on découvre les parents de Maxxie (absents dans la première saison) comme des parents responsables. Le père certes un peu bourru en hippie vieilli s’intéresse à son fils et l’aime véritablement. En revanche les petits anglais de souche et surtout leurs géniteurs compilent les tares et les impérities.
Je ne vais pas reprendre les différents épisodes mais certains balancent bien, dès le premier on voit toute la bande voler une Mercedes qui va finir sa vie dans la rivière. C’est plutôt enlevé !
Le plaisir et l'humour sont souvent au rendez vous avec alternance de séquences plus dramatiques. Avec une certaine justesse la série évite la simplification, le manichéisme. À des séquences dramatiques répondent des visions optimistes qui rendent compte de la diversité des comportements et des enjeux de cette période. Ils font la découverte des premières fois, premières baises, premières cuites, premières déceptions sentimentales, premières confrontation au monde adulte. On comprend que se coltiner à ces réalités engendrent des interrogations, conflits qu’ils franchissent non sans égratignures. Les jeunes malgré leurs excès s’en tirent quelques fois bien, en général par des vomissements et de préférence les uns sur les autres.

Je me suis intéressé au personnage de Maxxie. Il apparaît assez peu dans les six premiers épisodes. On apprend dès le début qu’il est gay et il convainc Sid et Anwar de l’accompagner à un bal gay! Ses copains acceptent facilement cette invitation.  La soirée tourne court, on se croirait au fin fond d’une banlieue dans une soirée patronage avec trois quidams moches et âgés agrippés au comptoir d’une buvette. Ensuite pas grand chose sauf une brève séquence où on le voit danser avec des claquettes. Il incarne l’artiste, le danseur et aussi le dessinateur, on admirera furtivement le croquis d’une belle bite. Il est surtout le gentil copain qui suit docilement les autres dans leurs diverses pérégrinations. Il participe aux beuveries, aux déconnages mais toujours sans sexe. Quand arrive son épisode, c’est pour nous emmener dans un abracadabrandesque voyage scolaire en Russie où il partage la vedette avec les autres. D’où une certaine frustration ! Les jeunes logent dans une sorte d’auberge de jeunesse russe au confort spartiate et Maxxie partage sa chambre avec celui qui apparaît comme son meilleur copain Anwar. Au point que nous pouvions imaginer une certaine accointances entre les deux, même si Anwar manifestait des velléités hétérosexuelles. On pouvait subodorer une certaine ambivalence dans ses désirs. Bref les voilà tous les deux dans une chambre et Anwar tient des propos peu à mêmes sur pédésexualité de son copain. Très crânement Maxxie lui demande de s’excuser ce qu’il refuse se retranchant derrière des arguments religieux. S’ensuit une brouille entre les deux d’autant qu’Anwar maintient ses propos. Au cours de cet épisode Anwar perdra sa virginité dans les bras d’une cosaque. Quant à Maxxie il se laissera brièvement tripoter par Tony plus manipulateur que jamais. C’est Maxxie qui abrège la fellation en expliquant par la suite J’avais les boules, alors il me les a léchées !  Du coup j’avais un sentiment mitigé, Maxxie n’occupe pas vraiment le devant de la scène, et de plus sa sexualité pour la première fois explicite est ici réduite. Alors qu’on nous montre les séances de baise d’Anwar, de Chris et de Tony. Dans le numéro dédié à Anwar, Maxxie réapparaît. Il fête ses 17 ans et Maxxie invité refuse d’entrer tant que son copain n’aura pas dit à son père qu’il est gay. On peut louer la ténacité des scénaristes à nous montrer cet adolescent revendiquer calmement, sereinement sa différence. À la fin on verra discrètement Maxxie lové contre le torse d’un homme.
Changement de vitesse au début de la saison 2. C’est Maxxie qui ouvre le bal de la série. Tony est provisoirement out, suite à un grave accident.  Maxxie danse, il croise de jeunes gamins qui sont au courant de son orientation sexuelle. Il persiste à assumer tranquillement son altersexualité, même devant les insultes homophobes des jeunes de son quartier. À cette occasion le père de Maxxie réprimande l’un des jeunes qui plus tard rejoindra Maxxie pour une revigorante partie de baizouillage. Maxxie, plus présent, et toujours très à l’aise dans son corps veut aller à Londres pour intégrer une école de danse.

Chris, Sid, Maxxie & Tony.

D’une manière générale, les garçons sont choupinesques exhibant de beaux ventres, voire de belles fesses. C’est agréable de suivre cette série qui dévêt aussi les garçons.
Si on dépasse les outrances des premiers épisodes, les addictions en tout genre, la caricature du monde des adultes, on notera l’aspect sociologique, naturaliste de cette génération d’adolescents. Si j’ai regretté la retenue concernant la pédésexualité de Maxxie comparée à l’illustration de l’hétérosexualité, j’applaudis la force tranquille qui habite Maxxie.
L’homophobie n’est pas exclue, plutôt à la marge avec cette incise où le plus homophobe en apparence cache une gaytitude difficile à vivre.
Bref une série réussie, plaisante à regarder et qui sonne plutôt juste avec des acteurs qui résonnent bien avec leur personnage. L’un d’eux, Dev Patel qui interprète Anwar connaît depuis la renommée avec son rôle dans Slumdog Millionaire.

Anwar, Dev Patel.

Ici l’avis iconographié de Bernard. Le site dédié sur Wikipédia. La saison 1 est disponible en Dvd (malheureusement uniquement en version française), la saison 2 visible ici.

Skins, série anglaise réalisée par Brian Elsley et Jamie Brittain (2007-2009).

Bilal, un jeune kurde de 17 ans est un sacré coureur, 4000 kms depuis Mossoul et voilà qu’il bute à Calais à portée de vue des crayeuses falaises anglaises. De l’autre côté,  il y a Mina, sa copine qui l’attend et l’aussi l’espoir d’intégrer une équipe de foot professionnelle, miroir aux alouettes qui lui donne des ailes et un optimisme à toute épreuve. Mais Bilal (Firat Ayverdi) ne peut garder sa tête assez longtemps dans un sac plastique, le temps d’échapper au détecteur de CO2 que glissent les policiers sous les bâches des remorques des camions qui empruntent le ferry. Découvert puis relâché car mineur et ressortissant d’un pays en guerre, il erre dans les rues de la ville à la recherche d’une solution pour franchir La Manche. L’idée déraisonnable de traverser à la nage le conduit à la piscine où il croise Simon, le maître nageur, qui accepte de lui donner quelques leçons de crawl.

Simon (Vincent Lindon) n’avance plus vraiment, sa femme Marion (Audrey Dana) l’a quitté et tout lui  semble indifférent. La rencontre avec Bilal et ses infortunés compagnons va le réveiller. Aider le jeune kurde dans son insensé défi lui apparaît comme une ultime façon de reconquérir Marion.
Deux trajectoires bien différentes qui se rapprochent, se côtoient  et vont donner du sens à leur existence. Entrer dans la vie adulte et affective pour Bilal et relancer la sienne pour Simon.

Le scénario s’ingénie astucieusement à présenter des oppositions. À l’indifférence de Simon pour les clandestins se révolte la générosité de Marion qui leur distribue la soupe. À la séparation du couple résonne le désir de rapprochement des deux tourtereaux. À la vitalité juvénile de Bilal contredit l’amollissement de Simon, l’ancien champion de natation.

Welcome, le mot aperçu écrit sur le paillasson du voisin (ch’ti) délateur, inscrit une fiction amoureuse, dans un décor politique, social filmé au plus près de la réalité actuelle, à la manière d’un documentaire. Le film détaille sobrement les conditions rencontrées par ces clandestins. Les tentatives pour franchir la frontière, les maltraitances policières, judiciaires, le rejet par la population, les conditions de précarité de survie. En même temps le manichéisme est évité. Un policier coincé dans son obligation de faire du chiffre tente d’adoucir la brutalité répressive. Des bénévoles leur viennent en aide et leur distribuent de la nourriture. Le clandestin peut voler par nécessité son protecteur d’un soir.
Le réalisateur Philippe Lioret filme avec une belle intelligence cette réalité. Une intelligence de cœur. Simon tend la main à Bilal et il s’ouvre à la générosité. Une rencontre improbable qui le métamorphose.

Je regrette l’accentuation portée sur Simon au cours du récit. Il devient le sujet central du film. L’œil de la caméra et de la ligne narrative principale. Bilal devenant insensiblement secondaire. Certainement du fait de mon attachement au personnage de l’adolescent choupinou et de sa relation avec Simon, j’ai ressenti comme un manque l’estompage de ce couple au profit de celui de Simon et de Marion. Le réalisateur maintient une distanciation affective entre les deux protagonistes. Il n’est question que d’entraînement et d’aide logistique. Il est difficile de ne pas imaginer une attention, une tendresse peut être filiale de Simon pour le jeune kurde. Nul émoi et pourtant la caméra multiplie les gros plans sur les deux visages. Comme si le réalisateur refoulait un possible lien affectif entre eux. La porte est volontairement trop bien refermée, et l’idée d’une altersexualité déclenche une réaction exagérée, … un peu suspecte.
On pourrait dire que je projette mes propres fantasmes, toutefois la coloration mélodramatique et l’hétérosexualisation forcée de l’histoire m’invitent à penser que tout désir équivoque entre les deux hommes a été écarté.

Au cours du film le nom d’Olivier Adam m’accompagnait. Il figure au générique et il a inspiré le précédent film de Philippe Lioret  Je vais bien, ne t’en fais pas. Je me souviens de À l’Abri de rien qui se déroule non loin de Sangatte et qui évoque très longuement les clandestins. Roman qui a été adapté pour la télévision par Jean-Pierre Améris Maman est folle.

Pour revenir à Welcome, c’est un beau film qui bénéficie de la belle prestation de Vincent Lindon dont Philippe Lioret déclare l’avoir écrit en fonction de l’acteur. C’est d’ailleurs sa position centrale qui distord le film. Reste une belle leçon d’ouverture à l’autre, à l’étranger, de générosité, voire de résistance citoyenne quand on connaît l’iniquité d’une loi aux relents vichystes qui condamne la fraternité à 5 ans d’emprisonnement et 30 000€ d’amende.
 
Lire ici des avis.

Jack/Eric, 24 ans, reçoit des mains de Terry, son éducateur de réinsertion, une paire de basket neuve estampillée escape. Cette paire de chaussure doit lui permettre de repartir d’un bon pied après une dizaine d’années d’incarcération pour sa participation à un assassinat commis durant son adolescence. L’action se déroule en Angleterre et on pense à l’affaire Bulger où deux garçons de 10 ans avaient assassiné un enfant de 2 ans. Leur libération à leur majorité avait déclenché la fureur des médias et avait contraint les deux jeunes majeurs à changer d’identité et vivre cachés.
Ici semblable scénario, Eric devient Jack (Andrew Garfield). Terry (Peter Mullan) lui dégotte une chambre et un emploi. On lui fournit aussi une biographie revisitée où son acte criminel est édulcoré.
Débute alors pour Jack le difficile retour à la vie normale. Sans apprentissage, il passe directement de l’enfermement carcéral à la vie sociale, il est déboussolé. Un peu à la manière d’un jeune enfant découvrant le monde il doit réapprendre à vivre libre et être autonome. Le cheminement s’avère périlleux, à la fois dans l’environnement extérieur et aussi en adéquation avec un  monde intérieur un tantinet schizophrénique. Il doit composer avec sa nouvelle identité, s’intégrer et surtout dissimuler sa terrible histoire. Epaulé par un bienveillant tuteur qui le considère comme un fils, Jack avance à tâtons dans un monde a priori hostile. Et on s’attend à ce que ça dérape.

Andrew Garfield & Peter Mullan

Pourtant tout se déroule bien. Il manutentionne dans une entreprise accueillante, avec des collègues de boulot sympas. Il rencontre une gentille et attentionnée baleine blanche qui l’initie à l’amour. Et cerise sur le gâteau, il devient un héros après avoir secouru une fillette accidentée. Toute cette accumulation de petits bonheurs ne fait que retarder la chute. La question en filigrane d’une réinsertion possible, de l’éventuelle réhabilitation et acceptation sociale demeurent en suspens. On entend sourdre la rumeur alimentée par une presse tabloïd avide de lynchage qui guette sa proie.
On se demande où cela va craquer ? Saura-t-il taire sa composante Hyde ou la société, représentée ici par la presse tabloïd, révélera sa véritable identité ? Et là malheureusement le film frise le ridicule. Le réalisateur botte en touche et choisit un dénouement bâtard. Par une sorte de glissement l’épilogue montre le fils du tuteur ulcéré qu’un autre, « monstrueux », bénéficie d’attention qu’il  serait en droit de réclamer. S’ensuit alors les conséquences prévisibles que le réalisateur accentue dans l’émotionnel ce qui affadit la thématique du film.

Dommage car l’idée de départ est  intéressante mais ici John Crowley se focalise sur le personnage de Jack et opte pour l’émotion court-circuitant ainsi la réflexion.
Le recours à l’émotionnel remarquablement porté par Andrew Garfield est étayé par une surabondance de retours en arrière. On ne compte plus les flash-back qui vont illustrer les conditions du drame. La personnalité et le comportement d’Eric sont décrits longuement. C’est un jeune ado timide, esseulé, rabroué par ses copains, avec des parents absents et qui trouve en Philip un ami. Manque de chance Philip est un adolescent détruit, violé par son frère et dont le surmoi a volé en éclats. La violence de Philip s’exprime sans retenue et Eric fasciné par son seul ami l’accompagnera dans le meurtre d’une fillette. Astucieusement le réalisateur s’arrête juste au bord de la scène de l’assassinat nous laissant imaginer la complicité d’Eric.
Toutefois le suivisme d’Eric, sa passivité et sa conformité actuelle nous amènent à atténuer sa complicité. Quoiqu’il en soit, Philip meurt en prison, et le fantasme d’Eric accrédite non pas la thèse officielle du suicide, mais un lynchage par les co-détenus. Comme si le monstre Philip dépourvu de culpabilité devait payer pour un crime inacceptable.  Du coup on sent le réalisateur pris entre deux voies. Celle de Jack, de son histoire pour expliquer sa conduite, ici presque tout le désigne comme un bon gars qui se serait égaré et que la société va maltraiter à nouveau. Et celle d’une société revancharde, incapable de pardonner.  Une scène d’Orange mécanique de Kubrick m’est revenue, celle où Alex après avoir été  rééduqué par une thérapie de conditionnement se jette par la fenêtre pousser par des individus qui représentent une société revancharde*. Le film se conclut sur une note bien pessimiste.

 Reste l’excellente interprétation des deux acteurs. Andrew Garfield rend crédible le trouble identitaire, et il traduit bien la reprise hésitante d’une vie sociale, l’ouverture au monde et aux sentiments avec la belle séquence dans la boite de nuit et avec la baleine blanche. Même appréciation pour Peter Mulan, (réalisateur du réussi  The Magdalene sisters) qui compose un éducateur bienveillant.

Des avis ici.

* Le film de Kubrick est un peu plus complexe que cela mais je vois dans la fuite de Jack une similarité avec l’impasse dans laquelle se trouve Alex.

 Boy A, film britannique réalisé par John Crowley (2008).

Depuis un certain temps le souvenir de la silhouette d’un personnage de film qui m’avait marqué lors de mon adolescence trottait dans ma tête. Un acteur de cinéma dont je me souvenais vaguement de la taille et ses cheveux raides mi longs. Il semble qu’il apparaissait dans un film de Yannick Bellon que j’avais vu au milieu des années 70.

Furetant à la médiathèque j’ai retrouvé deux films de cette réalisatrice que je me suis empressé de regarder. Quelque part quelqu’un, non, aucune trace de l’adolescent qui avait  impressionné ma mémoire. En revanche dans La femme de Jean le personnage de Rémi donne consistance à mon souvenir. Dois je dire ma surprise de constater que le personnage joué par le jeune Hyppolite Girardot ait pu alimenter à ce point mes fantasmes ? En fait je sais bien que nos souvenirs sont trompeurs, qu’ils tendent à enjoliver le passé. Peu importe que ce soit vraiment le personnage ou l’acteur dont les réminiscences affleuraient ma conscience de temps à autre.  Je souhaitais revoir ces images qui m’avaient  imprégné et qui reviennent à l’occasion me visiter. Bref ce fut un bon prétexte, que je ne regrette pas, pour visionner une bonne trentaine d’années plus tard le film de Yannick Bellon.

À Paris au début des années 70 Nadine (France Lambiotte) est larguée par Jean (Claude Rich) après une quinzaine d’année de vie  maritale. Alors que Jean refait joyeusement sa vie en se justifiant  tu comprends on était très jeune quand on s’est marié  Nadine plonge dans une grave dépression. Son fils Rémi un adolescent en pleine expansion pubertaire fait office d’objet anti-dépressif. Progressivement elle renaît à la vie, se met à travailler et rencontre un homme David. Quelque temps plus tard Jean ne peut que constater la métamorphose de son ancienne femme, devenue Nadine. Le sujet était bien dans l’air du temps, de l’émancipation des femmes, de la prise en compte de leurs désirs aussi bien psychologiques, familiaux que sociaux. Même si on sent en arrière plan les aspirations féministes, le film refuse les accents revendicatifs.

Rémi figure un adolescent de 17 ans en pleine évolution. Les cheveux très longs, la musique rock, la fumette gentille et l’(hétéro)sexualité plutôt libérée. Nous sommes au lendemain de mai 68. Il requinque sa mère, en la stimulant, en lui permettant de devenir une femme indépendante.

La caméra de Yannick Bellon s’attarde sur la vie quotidienne des personnages en les filmant chez eux et en extérieur ce qui donne au film un côté documentaire. On est plongé au cœur de la société de la fin des années pompidoliennes. On entend une speakerine débitée le programme du lendemain des trois chaînes de télévision. On aperçoit Jean Christophe Averty préparé son émission. On reconnaît les Peugeot 404 et autres Fiat 850 qui embouteillaient les rues de Paris. On surplombe la béance du trou des Halles. Ce film daté procure le plaisir de nous remémorer le paysage parisien de l’époque. La femme de Jean suit le cheminement psychologique et social des protagonistes avec sensibilité et délicatesse.

Du coup j’oubliais mon désir premier. Il est vrai que dans un premier temps j’étais un surpris d’avoir pu flasher sur ce jeune homme. Je m’interrogeais sur  le ressort identificatoire qui fonctionna à l’époque. À la réflexion cela ne m’étonne pas, le film condense de nombreux éléments d’identication.  La décontraction, la liberté, la pulsionnalité joyeuse incarné par Rémi fournit une indéniable attractivité pour l’ado un peu plus jeune et un peu coincé que j’étais. Les configurations familiales résonnaient avec une évidente ressemblance. De plus le ton juste et bienveillant de ce film a certainement  contribué à son inscription mnésique et à perdurer jusqu’à aujourd’hui. 

Une dizaine d’année plus tard  Yannick Bellon, tournait La triche dont le sujet « sensible » traite de l’homosexualité. Un commissaire de police (Victor Lanoux) tombe amoureux du jeune et beau Xavier Deluc. Un amour impossible entre le notable provincial marié et le jeune violoncelliste un peu marginal.  Je regrette que la réalisatrice n’ait pas voulu échapper à l’inévitable dénouement tragique de cette passion amoureuse en cours à l’époque. J’ai du mal à comprendre qu’elle n’ait pas profité de l’occasion pour offrir une alternative à ces fins dramatiques qui tenaient lieu de tradition pour ce type de sujet au cinéma. Pourtant l’homosexualité s’émancipait, juste à la veille des années Sida.

La femme de Jean, film français réalisé par Yannick Bellon (1973).

Lionel m’avait signalé cette pièce de Jean-Marie Besset, montée au Théâtre du Rond-Point à Paris et jouée jusqu’au 26 octobre.

L’action se déroule dans une petite ville à quelques encablures du col du Perthus, dans les années soixante dix. En début d’année, deux élèves de terminale aux caractères assez dissemblables font connaissance. On sent Paul timide, réservé, et solitaire, un peu étriqué dans son pantalon de velours, alors que Jean-Louis, sportif, joue les play-boy. Paul, dont le grand plaisir réside dans la lecture de la Princesse de Clèves, parvient à attirer l’attention de Jean-Louis le fortiche des maths. Une forte amitié se noue entre eux, d’autant que Paul, à l’instar de Melle de Chartres couve son Jean-Louis des yeux de Nemours.
Les deux garçons sont cornaqués par des mères délaissées. Leurs maris ont déserté le foyer familial préférant d’autres aventures sentimentales. L’amitié des deux garçons favorise leur rencontre d’autant qu’elles vivent une histoire similaire. On imagine qu’elles se retrouvent pour dégoiser sur leur conjoint volage. Se sentant abandonnées elles reportent sur leur enfant leur rêve d’une existence devenue tristounette. Faute de satisfaction conjugale, elles imaginent une revanche sociale à travers la réussite espérée de leurs fils. Le fruit de mes entrailles clame la mère de Jean-Louis comme pour mieux conserver et modeler son trésor que nul ne pourra dérober. Bref elles n’existent plus qu’au travers de leur progéniture qui les vengera des bassesses des pères absents. De fait, elles deviennent des femmes phalliques qui n’hésitent pas à régenter l’éducation de leur rejeton. Elles projettent ainsi sur eux leur ultime espoir de réussite sociale dont elles sont exclues.

Or c’est là que le bât blesse. L’amitié exclusive des deux garçons ne cacherait elle pas une homosexualité inconciliable avec les rêves de grandeur qu’elles échafaudent !

On peut imaginer ces deux adolescents comme les deux faces d’une même personne. Au départ ils sont, malgré leur différence, assez proches. Tous les deux sont agités par l’impérieux désir de rencontrer l’autre. Ils affrontent les mêmes questionnements, affectifs, quant au choix de leur objet d’amour, de leur devenir scolaire et professionnel. Au cours de cette période de bouillonnement, d’effervescence déstabilisante où vont se structurer  une grande part de notre avenir. Comment se réaliser, devenir un adulte, exprimer son amour dans un contexte familial contraignant voire, ici, un peu incestuel ?  Chacun tâtonne pour trouver sa voie. Jean-louis, angoissé par l’amitié passionnelle de Paul, jette agressivement son dévolu sur une fille, noire de surcroit comme pour mieux témoigner son malaise. Sa brusquerie lui vaudra de goûter aux joies particulières de la vie carcérale, artefact qui ne retardera que momentanément son adaptation à une vie sociale en conformité avec son milieu. Paul, au contraire, blessé, attendra pour s’affirmer, devenir artiste et vivre avec un espagnol.

  Jonathan Drillet & Robin Causse

Dans un décor rudimentaire, une estrade sur laquelle trône quatre chaises surdimensionnées les acteurs déambulent tantôt seuls, souvent en couple et rarement tous ensemble. La mise en scène s’interdit de dépasser le minimalisme du décor. La bonne surprise tient dans la distribution des rôles, ainsi les mères sont jouées par des acteurs. Ceci confère une redondance signifiante à l’absence paternelle et au caractère phallique des mères.

Le désir de Paul pour Jean-Louis est magnifiquement rendu dans une scène. Les deux ados sont allongés, et Paul s’enhardit pour glisser un doigt dans la bouche de Jean-Louis endormi. Scène d’un bel érotisme.

Robin Causse & Jonathan Drillet (en bas).

Les dialogues parsemés de bons mots nous font sourire. On peut regretter des télescopages hasardeux comme lorsque Paul évoquent son désespoir de voir son ami roucouler dans les bras d’une pimbêche lors d’une visite d’Auschwitz. Cette idiosyncrasie de Paul laisse perplexe !

L’auteur ne manque pas de souligner l’hypocrisie d’une société frileuse en matière d’altersexualité, lorsqu’il rappelle la pédésexualité de Jean Moulin tue de crainte d’égratigner l’héroïsme du résistant. 

Une pièce plaisante à regarder, servie par de bons comédiens. Les deux jeunes plutôt choupinous tiennent bien la comparaison face aux deux acteurs épatants dans leur rôle des mères.

Jean-Marie Besset a coécrit le scénario du film de Robert Salis Grande école. On lui doit notamment l’adaptation de la pièce Une souris verte. Sa pièce La fille du RER sert de scénario au prochain film de André Téchiné qui sortira au printemps prochain.

Perthus, pièce de théâtre de J-M Besset (2007) mis en scène par Gilbert Désveaux.

Le thème : la passion amoureuse à l’adolescence, la présence du choupinou Grégoire Leprince -Ringuet avaient de quoi émoustiller mon intérêt pour le dernier film de Christophe Honoré. Ses chansons d’amour demeurent un bon souvenir et je m’installais avec un a priori favorable devant le téléviseur pour suivre cette très libre adaptation du roman La princesse de Clèves de Madame de Lafayette écrit au XVIIeme siècle et dont l’action se déroule au XVI eme siècle*. Nous savons que la référence à ce premier roman moderne de la littérature française découle de propos indignes et réitérés de Sarkozy. Voilà une subtile réponse à la bêtise et l’indigence culturelle du président.

 Dans un lycée (Lycée Molière) du 16eme à Paris, des ados de bonnes familles, aux prénoms surannés -style NAP- et pas vraiment genre Entre les murs, se coltinent aussi avec les affres des passions amoureuses turbulentes de l'adolescence. Une fois oublié le pedigree des personnages (et des acteurs), on retrouve les éternels émois adolescents.

Suite au décès de sa mère, Junie (Léa Seydoux), débarque chez son cousin. Intégrée dans la même classe que son cousin Matthias (Esteban Carvajal Alegria), elle devient le centre d’attraction des garçons qui la courtisent. C’est finalement Otto (Grégoire Leprince-Ringuet), un ado un peu effacé qui décroche la timbale. Mais Nemours (Louis Garrel), le don juanesque prof d’italien, l’attire dans ses rets d’où elle peine à se dépatouiller. Otto meurtri et pétri d’absolu n’envisage pas d’autre alternative que le suicide. Junie s’enfuit et Nemours se retrouve Gros-Jean comme devant. Sur cette trame se greffe une amourette altersexuelle entre Matthias et Martin (Martin Simeon), le tout assaisonné de dialogues policés (limite prout-prouts) pas toujours audibles.

L’action se circonscrit à l’hiver, dans un décor bien délimité (le lycée avec une salle de cours et la cour de récréation, une rue, un café et un parc). Les personnages se réduisent aux lycéens, trois, quatre profs et la tenancière du bistrot. Pas de parent, ni de chambre d’adolescents.  Christophe Honoré réinvente un cadre spatio-temporel. Ce décor improbable ou tout le moins réservé à quelques happy few, décalé de la réalité commune, suggère une scène de théâtre**. De fait le contexte sociologique caricatural tend à s’oublier pour inviter le spectateur à se focaliser sur les échanges, les variations des sentiments des protagonistes. 

Encore faudrait-il que nous comprenions les dialogues. Il m’a fallu un certain temps pour que je saisisse le sens des paroles mâchouillées par des acteurs qui avalent les mots.  Du coup on repère les incohérences comme cet élève qui apostrophe son professeur pour lui demander si elle est amoureuse… et elle de lui répondre ! ou entendre Nemours téléphoner à Matthias pour qu’il fasse une commission à Junie et lui dire  je t’embrasse.  Et c’est là que le bât blesse. Le personnage de Garrel détonne. Trop jeune, il est peu crédible. Il arase la différence des générations, il entretient un flou d’indifférenciation où tout semble égal. On trouve cette même non distinction entre les élèves et les professeurs. Les différences prof/élèves, ados/adultes sont des réalités qui ici sont abrasées, nivelées. Comment alors introduire du drame si tout concourt à atténuer les différences. Je baillais à suivre ce fleuve trop tranquille des passions amoureuses qui verse dans le banal scénario du trio de la fille aimée par deux garçons.  Le contrepoint de la relation altersexuelle, bien sage et banalisée participe à cette espèce d’engourdissement, d’apathie. Lorsque Otto, après avoir poussé la chansonnette, se jette dans le vide, je suis demeuré peu affecté, certainement gagné par l’ennui.

J’aurais préféré plus de nerf, plus d’affrontement, de drame, d’audace. Je pense au film de Lola Doillon  Et toi t’es sur qui ?  Moins léché sur la forme mais autrement plus nerveux. Toutefois la galerie des choupinous de La Belle personne est bien agréable à regarder. Ainsi que je le notais au sujet de son précédent film, Louis Garrel devient insupportable.

* Je note la coïncidence XVI/ XVII eme siècle et le numéro de l’arrondissement très bourgeois où se déroule l’action du film, tout comme l’âge des protagonistes.

** Le titre La belle personne, le quartier huppé, la beauté obligée des ados aussi bien physique que vestimentaire frisent la caricature.

Juan (Diego Cataño), un ado de 16 ans vient d’encastrer la voiture familiale contre un poteau. Peu de dégâts mais la voiture reste en rade ; impossible de la redémarrer. Comment est-ce arrivé ? c’est curieux car la rue est large, et il n’y a quasiment pas de circulation. Je pensais à une absence, à un acte manqué (et finalement réussit comme nous le découvrirons in fine).  Cet événement inaugural du film n’est qu’un prétexte à une journée bien particulière pour Juan. Au cours de la première partie nous l’accompagnons dans ses déambulations à la recherche d’une bonne âme qui pourrait l’aider à réparer sa voiture. Le film démarre lentement par une succession de plans fixes scandés par des écrans noirs plus ou moins silencieux. Comme si le réalisateur voulait solliciter notre imaginaire pendant ces trous noirs, ceux de Juan. Ses pérégrinations le conduisent vers des garages fermés ou abandonnés, jusqu’à celui de Don Herber. Un vieux garagiste assoupi entiché d’un chien facétieux qui le considère d’abord comme un voleur,  puis l’accueille, le nourrit et finit par diagnostiquer la cause de la panne de la bagnole. Lors du choc il a certainement endommagé le boîtier d’allumage. S’ensuit alors une nouvelle dérive à la recherche d’une pièce de rechange. Dans cette ville côtière du Yucatàn écrasée par le soleil la vie tourne au ralenti. Il échoue dans une boutique d’accessoires automobiles ouvert aux quatre vents et tenue par une fille mère perdue dans ses rêveries de chanteuse. Le sort semble s’attarder sur Juan. David (Juan Carlos Lara) le jeune mécano du magasin traîne les pieds à réparer la Nissan accidentée. Il préférerait entraîner Juan dans ses fantaisies de kung fu.

Diego Cataño & Juan Carlos Lara

Enfin  la voiture redémarre et s’ouvre alors la seconde partie du film.Le rythme s’accélère, la pesanteur s’allège, les personnages prennentde l’épaisseur. On a appris incidemment que Juan venait de perdre son père et entraperçu sa mère qui s’enfonce dans une espèce de déréliction.

Juan traverse à nouveau la ville au volant de sa Nissan Tsuru rouge.  Il retrouve Don Herber, puis David qu’il accompagne au cinoche voir un Bruce Lee et il termine sa tournée et sa journée un peu fortuitement dans le lit de Julia. Au matin il a changé. Il regagne sa maison, s’occupe de son petit frère.

Lake Tahoe,  au scénario simple, traité de manière minimaliste avec un déroulement linéaire laisse une impression forte et durable. Le film s’installe doucement sous une sorte  d’accablement qui tend à l’engourdissement à l’instar du ressenti de l’ado. L’accident résonne comme une crise, une fracture qui confronte Juan à une réalité nouvelle et brutale. La catastrophe existentielle liée à la disparition de son père s’actualise dans l’accident et la panne. Mais nous le comprenons dans un après coup, une fois le cheminement de Juan terminé et dépassé. 
En fait cet accident va le fortifier et lui offrir les moyens de grandir, de quitter les limbes de l’enfance et entrer dans l’âge adulte et vivre.Les différentes rencontres hostiles à première vue se métabolisent en expériences structurantes dont Juan tire parti.

En fait cet accident va le fortifier et lui offrir les moyens de grandir, de quitter les limbes de l’enfance et entrer dans l’âge adulte et vivre.

Voilà une belle illustration cinématographique d’un passage entre l’adolescence et l’âge adulte. Tout en finesse, Fernando Eimbcke, le réalisateur parvient à nous accrocher à son film. Il propose au début des espaces de penser, puis séquences après séquences il nous transporte subtilement et intelligemment jusqu’au terme de l’histoire.

 

Lake Tahoe, film mexicain de Fernando Eimbcke (2006).